Analise a utopia americana de David Byrnes

“A Utopia Americana de David Byrne” é uma experiência que enriquece a alma, fechando a distância impossível entre o palco filmado e o espectador. Isso captura uma performance ao vivo e urgente no palco da Broadway modificada com faixas adicionais que enquadram o legado duradouro e a qualidade imortal da música incrível de Byrne.

Spike Lee dirige um empreendimento cinematográfico incrivelmente rico com uma atmosfera carregada de iconografia visual. O domínio de Lee de composição, luz e economia, mas integração de multimídia explosiva é algo para se ver. A escolha de Byrne de implantar seus sucessos mais significativos por meio da performance ao vivo de American Utopia é emoldurada por sua evolução artística e ativismo. Byrne é um rebelde, usando seus poderes artísticos para quebrar barreiras entre pessoas com reações elementares à música.

O espaço de atuação é um quadrado rígido em um palco, encaixotado por correntes esvoaçantes. Ele cria uma qualidade estática, como se a audiência ao vivo e nós, a audiência que o assistisse, estivéssemos olhando para um aparelho de televisão quadradão. As correntes são uma escolha prática, mas divina – são os grilhões da história americana, da percepção e do destino da apatia. Enquanto em algumas cenas eles são usados ​​como um substituto para alguma barreira invisível, a genialidade de Byrne e Lee é fazer com que os artistas frequentemente os varram de lado. Eles nos fazem sentir como se as cadeias de nosso cinismo inconsciente pudessem ser postas de lado. Este é um filme de concerto que segue dicas de “Dogville”. Byrne e Lee retiram décadas de temperos; apenas os órgãos vitais permanecem.

A iluminação também, nas atividades da banda, transmuta a música e os temas subjacentes ao estado de potencial da união de Byrne. As auras dos performers ganham vida, nós derramamos nos olhos gigantes e nas almas daqueles que fazem parte da experiência e são atingidos por um frio de gelo ou incendiados de acordo com o que a pista pede na época.

Byrne e seu alegre bando de onze (Chris Giarmo, Tendayi Kuumba, Karl Mansfield, Angie Swan, Bobby Wooten III, Mauro Refosco, Tim Keiper, Gustavo Di Dalva, Jacquelene Acevedo, Daniel Freedman, Stephane San Juan) estão vestidos de forma justa , ternos cinza. Billy Connolly chamou os ternos de “roupas de mentiroso”, e a formalidade é enganada pelos pés descalços dos performers. É uma rebelião sutil.

O cinza é versátil e, quando usado taticamente com a luz, realça tematicamente cada momento pulsante do filme. É tudo sobre a formação, a intimidade das câmeras – em um dado momento de um determinado verso ou música as formas lembram imagens icônicas do cinema.

Caminhadas latejantes e pesadas em direção à frente do palco lembram o populacho autômato de Fritz Lang em “Metrópolis”. Em formação de marcha, a banda diversificada e lindamente eclética engana as lembranças de “Triumph of the Will” ou riffs satíricos de “Starship Troopers”. Em uma simples inclinação das luzes, as sombras altas lançadas pelos membros da banda afetam o sermão evangélico barroco que lança sombras como “O Gabinete do Dr. Caligari”. Com Lee no comando, nada disso parece acidental.

Você pode lutar contra a vontade de chorar, mas não será capaz de impedir a si mesmo de bater o pé junto ao ritmo da possibilidade. Em uma das breves interações com o público, Byrne diz algo como “somos você e nós, e é isso que o show é”. Na conclusão do show, Byrne e a banda romperam as barreiras figurativamente entre o palco e seu público.

Parece que a tese da performance se tornou realidade – estamos nisso juntos e o público do show, os músicos, Byrne e nós – o público em casa – estamos em sincronicidade orgiástica. Parece um sacrilégio respirar a transcendência deste trabalho quando o incrível Jonathan Demme dirigiu “Stop Making Sense”, que é o show de THE Talking Heads que Pauline Kael certa vez descreveu como “perto da perfeição”. Lee se juntou a Demme tão perto da perfeição; faz sentido.

Fonte: www.darkhorizons.com

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