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  • Um filme tão simples quanto ridículo

    Um filme tão simples quanto ridículo

    É difícil saber com certeza se Kormákur e Rousselot brincam com a câmera como mais do que uma maneira de se manterem envolvidos em um material tão direto. O relacionamento de Nate com suas filhas, como esboçado amplamente no roteiro de Ryan Engle (baseado em uma história de Jaime Primak Sullivan), é em grande parte uma maneira funcional de criar tensão sem nunca parecer uma verdadeira tentativa de criar uma caracterização multidimensional. Elba é, claro, magnético e ferozmente encantador como sempre, mas ele não pode fazer muito para que a luta de Nate para se conectar com suas filhas pareça realista. O próprio fato de que “Beast” é menos investido em Nate e suas filhas como personagens, em oposição aos arquétipos, torna as brigas às vezes um pouco cansativas.

    E sejamos honestos: a razão pela qual “Beast” não está investindo no desenvolvimento do personagem de Nate ou de sua família é porque está muito mais interessado em colocar o homem contra a natureza da maneira mais violenta possível. É fácil suspender sua descrença em relação ao fato de que muitos dos animais neste filme são CGI (chegando um mês depois de outro lançamento da Universal Pictures, “Não”, seria extraordinariamente perturbador se algum dos leões aqui fosse … y ‘sabe, real). Quaisquer que sejam as questões que surjam em relação ao leão que se recusa a deixar Nate ou seus filhos em paz é que o pouco que Faz aprender sobre o comportamento do leão, cortesia do gentil Martin, revela que esses reis e rainhas da selva normalmente não atacam humanos e, se o fizerem, eles normalmente comem esses humanos em vez de matá-los e deixá-los para morrer. No final de “Beast”, embora o roteiro exija que o leão continue sangrando, ele o faz às custas de transformar o grande felino em uma versão da selva de Michael Myers.

    É fácil – especialmente nos cenários do terceiro ato – discutir com o mínimo de lógica interna que “Beast” utiliza. Mas no fundo, “A Fera” não é um filme com o qual se possa discutir. Para o bem ou para o mal, este é um filme da escola de verão “Deep Blue Sea”. É um filme onde os animais lutam contra os humanos (neste caso, apenas um animal, para ser justo), e a lógica não precisa entrar na equação. “Beast” não é um grande sucesso, mas também é um filme de verão bastante raro, pois conhece seus limites, cumpre suas promessas específicas e não insiste no ponto. De certa forma, embora a metade do verão de 2022 tenha sido leve em novos lançamentos, “Beast” parece que seria mais em casa como algo que você pega enquanto dobra a roupa em um domingo lento, em vez de pagar para vê-lo nos cinemas. É estúpido e bobo, sim… e isso é, quer você goste ou não, o ponto inteiro.

    /Classificação do filme: 5 de 10

    Fonte: www.slashfilm.com

  • Revisão do filme Glorioso e resumo do filme (2022)

    Revisão do filme Glorioso e resumo do filme (2022)

    O vaivém entre esses dois personagens, e entre realidade e fantasia, compreende a maior parte do filme de terror sombrio e cômico do diretor Rebakah McKendry. Mas mesmo em rápidos 79 minutos (incluindo créditos), “Glorious” parece uma ideia intrigante que foi esticada para o comprimento do longa. O roteiro esquisito e espirituoso do marido de McKendry, David Ian McKendry, junto com Joshua Hall e Todd Rigney, pode ter mais impacto como um curta ou um episódio de uma série do tipo “Twilight Zone”. Mas as performances no que é essencialmente um jogo de duas mãos continuam intrigantes, e você nunca será capaz de prever para onde essa história está indo.

    Ryan Kwanten interpreta o desgrenhado Wes de meia-idade, que para em uma área de descanso tranquila na floresta para não cochilar durante uma viagem diurna. Seu carro está abarrotado com seus pertences, incluindo um ursinho de pelúcia e uma misteriosa caixa vermelha. Ao longo da noite, ele permanecerá lá, queimando tudo o que possui em uma raiva bêbada. Quando ele acorda na manhã seguinte, de ressaca e sem calças, ele cambaleia até o banheiro para vomitar, apenas para ser perturbado pelo som de uma voz amigável vindo da cabine adjacente. Pertence a JK Simmons, e ele diz que seu nome é Ghat. Suas brincadeiras são divertidas no início, o que é surreal, dado o cenário miserável. Simmons, a quem ouvimos, mas nunca vemos, usa toda a extensão de sua rica ressonância. Ele é gentil e curioso, até um pouco piegas em seu humor, até se tornar mais sinistro e insistente. E ele nos mantém adivinhando junto com Wes: Esta é uma pessoa real? Uma alucinação embriagada? O próprio diabo?

    Kwanten, enquanto isso, é encarregado de desenvolver esse personagem enquanto atua essencialmente sozinho em um espaço apertado, e ele enfrenta esse desafio físico e emocional. Sabemos que Wes é carente e volátil, mas também precisa manter algum mistério. E aqui está a parte complicada desses filmes de um local: como desenvolver um personagem dentro de um cenário tão limitado. Thrillers enxutos e mesquinhos como “The Shallows” ou o recente “Fall” fornecem apenas o suficiente para estabelecer as habilidades de suas heroínas e explicar suas habilidades de sobrevivência. O problema com “Glorious” é que não há muito sobre Wes, apesar de alguns flashbacks, e não pode haver até o final. Isso torna difícil para nós nos preocuparmos se ele consegue sair do banheiro vivo – ou pelo menos com sua sanidade intacta. E a mitologia de Ghat, embora densa, não é tão interessante.

    Fonte: www.rogerebert.com

  • Uma aventura doce, mas familiar, promete libertar sua criança interior

    Uma aventura doce, mas familiar, promete libertar sua criança interior

    Escusado será dizer que “Lost Ollie” está trilhando um território muito familiar. Está seguindo os passos de “Toy Story”, “The Velveteen Rabbit” e todas as outras histórias ridiculamente doces sobre bichos de pelúcia ganhando vida. Mas, para o bem ou para o mal, há muitos outros elementos dessa história que chamam a atenção. Isso não é apenas a história de Ollie, afinal — também passamos muito tempo assistindo os próximos movimentos do jovem Billy, um aluno da quarta série que perdeu muito mais do que seu brinquedo favorito. Em Ollie, ele tinha um lugar seguro para voltar quando tudo mais falhasse. Mas sem ele, cabe a Billy enfrentar valentões, pais e os muitos dilemas da infância. Enquanto a dupla luta para se reunir, Billy enfrenta esses obstáculos sozinho. Mas mesmo separados, ele e Ollie compartilham o mesmo vislumbre de esperança: todas as lembranças felizes da vida antes da separação.

    Ocasionalmente, vislumbramos o passado através de seus olhos: alegres brincadeiras de piratas e dias alegres com os pais de Billy, interpretados por Gina Rodriguez e Jake Johnson. E é aqui que começamos a trilhar terreno familiar. “Lost Ollie” é de cortar o coração e está muito ciente do que está fazendo. Os sentimentos desgastados que ela abraça são reciclados por um bom motivo: eles são muito eficazes. Quantas vezes assistimos um pai na TV dar uma palestra para seu filho sobre como ele precisa crescer? Sempre que Jake Johnson fica irritado com o bicho de pelúcia de seu filho, isso soa muito familiar – mas isso não impede que as lágrimas fluam. O mesmo pode ser dito da mãe de Billy, que abraça sua imaginação e sempre defende seu precioso bebê. Enquanto pai rude e mãe amorosa são bons lugares para começar, o problema é que esses traços largos são o máximo que conseguimos desses personagens, mesmo que acabemos passando muito tempo na presença deles. É uma pena porque se o lado da história de Ollie prova alguma coisa, é a eficácia de “Lost Ollie” ao lidar com os detalhes.

    Precoce, impaciente e determinado, Ollie é o nosso personagem mais bem definido por uma ampla margem, seguido pelos dois brinquedos que ele faz amizade ao longo do caminho. Como ele basicamente exala simpatia, não é difícil ver como Ollie prende dois estranhos em sua busca. Zozo (Tim Blake Nelson), um boneco palhaço sábio, e Rosy (Mary J Blige), um ursinho de pelúcia destemido, rapidamente se vêem envolvidos na aventura de Ollie, querendo ou não. Mas relutância à parte, cruzar caminhos com Ollie é uma inevitabilidade em suas próprias jornadas pessoais: embora eles não sejam o mesmo tipo de perdido que ele, suas almas também estão vagando. Em pouco tempo, Ollie lhes dá algo para se agarrar.

    Fonte: www.slashfilm.com

  • Crie a lenda: as esposas tolas de Erich von Stroheim | Características

    Crie a lenda: as esposas tolas de Erich von Stroheim |  Características

    Quando você coloca assim… Claro que naquela época, a notícia de um novo filme de Erich von Stroheim era um grande evento, até porque o público adorava ler sobre as travessuras desse gênio arrivista sitiado. Sessenta anos antes de “Heaven’s Gate”, Stroheim construiu Monte Carlo na Califórnia para “Foolish Wives”, comprou roupas caras para seus atores para que eles se sentissem ricos, insistiu que ele pudesse comer caviar e beber champanhe de verdade na tela, e na melhor das hipóteses toque de tudo, inventou um livro do nada e insistiu que o filme fosse adaptado dele. Melhor ainda, seu personagem, o charlatão Conde Karamzin vê a esposa de um diplomata interpretada pela senhorita DuPont (nome de nascimento Patricia Hannon) lendo o romance, tira-o de suas mãos, inspeciona-o e diz “Muito bom”. E ele está certo em dizer isso. Até os intertítulos — “De novo Manhã… Mar de safira… Brutalidade do homem… e ainda o sol” — são pura poesia. Simplesmente não havia mais ninguém como ele, e mesmo agora, 100 anos depois, nenhum filme como “Foolish Wives”.

    Em 1974, Jonathan Rosenbaum reclamou que a maioria dos escritos sobre o lendário diretor de cinema e ator austríaco Erich von Stroheim foi apanhado em lendas, na ficção em torno da pega teutônica. Ninguém parecia capaz de escrever sobre seus filmes como obras de arte visual. Claro, e Rosenbaum admite, isso é difícil porque Stroheim era maior que a vida, e ele se certificou de que todos soubessem disso.

    O jovem Erich Oswald Stroheim desceu de um barco para a América depois de fugir de um período desanimador no serviço militar alemão, mudou seu nome para Erich Oswald Hans Carl Maria von Stroheim und Nordenwall e se apresentou como Conde, filho da aristocracia. No entanto, ele trabalhou em trabalhos braçais no coração antes de ir para Hollywood, onde trabalhou de dublê e assistente para o maior diretor e estrela do mundo. Tudo desmoronou porque ele torturou todo mundo enquanto dirigia, desperdiçou milhões de dinheiro do estúdio e se recusou a fazer filmes com menos de uma noite inteira. Ele mentiu para todos os repórteres com quem conversou, e havia muitos, a ponto de a maioria de seus obituários serem baseados em velhas meias-verdades e errarem detalhes cruciais sobre sua vida. Ele falou com uma variedade de sotaques pelos quais todos que ouviram ficaram confusos, cada um acreditando que traía uma região, classe e história diferentes.

    Stroheim era como a imagem negativa de Charlie Chaplin, um conde sem tribunal, e a imagem dele que sobrevive é tanto a do mordomo depressivo que se esconde atrás da história com Gloria Swanson em “Sunset Boulevard”, de Billy Wilder, ou o idealista de mandíbula de ferro correndo o campo de prisioneiros de guerra em “Grand Illusion” de Jean Renoir. Assim como ele usou a associação com DW Griffith a seu favor, ele foi um dos primeiros totens de cinefilia coletados por jovens diretores ansiosos desesperados para aproveitar o brilho da imagem de seu gênio distorcido, um precursor do relacionamento de Peter Bogdanovich com Orson Welles. Wim Wenders para Nicholas Ray, e o próprio relacionamento de Bogdanovich com Wes Anderson e Noah Baumbach.

    Fonte: www.rogerebert.com

  • Uma sitcom confusa e meta-jurídica com humor que erra o alvo

    Uma sitcom confusa e meta-jurídica com humor que erra o alvo

    Como a maioria dos projetos da Fase 4 da Marvel, “She-Hulk: Attorney at Law” tem uma voz cinematográfica comparativamente distinta. Quando o humor da escritora-criadora Jessica Gao brilha, como acontece nas cenas de créditos intermediários refrescantemente mundanas que muitas vezes são engraçadas, o programa parece uma pausa franca e agradável do lado mais sério do espectro da Marvel. . A série, que se aproxima muito mais de uma sitcom legal do que de uma saga de ação e aventura, possui uma veia de humor irreverente na veia de “Ally McBeal”, e as piadas que chegam são excelentes.

    No entanto, muito de “She-Hulk: Attorney at Law” falha, ou pior, emprega frases curtas e datadas de poder feminino que parecem mais em casa em imãs de geladeira bregas ou em roteiros de “Sex and the City” do que em um filme. mostrar esse lado dos anos 2020. A série centra muitas de suas piadas em torno da dinâmica de gênero, mas é quase uma farsa, cheia de barqueiros maliciosos, colegas de trabalho desdenhosos e uma enorme quantidade de idiotas sexistas. Para ser claro, isso não é uma coisa ruim: é o tipo de contexto cômico ligeiramente elevado que faz programas como “Girls5eva” e “Broad City” funcionarem. Mas a Marvel nunca foi particularmente bem versada em comentários culturais, e muitas vezes aqui, é maçante onde precisa ser apontado.

    Fonte: www.slashfilm.com

  • She-Hulk: Advogada oferece uma mistura divertida de ação e comentários | TV/transmissão

    She-Hulk: Advogada oferece uma mistura divertida de ação e comentários |  TV/transmissão

    Dada a recente mudança da Marvel para promover heroínas femininas – apesar de frequentemente pular a linha de inclusão genuína e pensativa e momentos transitórios e mal-feitos de “poder feminino” – era apenas uma questão de tempo até vermos uma adaptação de “She-Hulk” na tela pequena ou grande. As perspectivas polarizadoras dos fãs da Marvel, alguns que criticam a eficácia da inclusão feminina e outros que proclamam a queda da “M-She-U”, são aproveitadas e confrontadas nesta série.

    Tatiana Maslany interpreta Jennifer Walters, prima de Bruce Banner, que absorveu uma quantidade acidental, ainda que conseqüente, de seu sangue e se tornou um Hulk. Com uma carreira de sucesso como advogada e a determinação de evitar o super-herói, Jennifer evita sua nova realidade até que a capacidade de mantê-la privada seja despojada. Ela não apenas é obrigada a administrar uma faceta inteiramente nova de seu estado corpóreo enquanto tenta manter sua vida estabelecida, mas também é encarregada de confrontar o sexismo e a exploração de sua fama recém-descoberta como super-heroína.

    Ao abordar a cultura da misoginia como um traço social e um setor de fandom da Marvel, “She-Hulk” não é excessivamente sério ou desajeitado com comentários. Como qualquer outra saída na extensa filmografia da Marvel, há o mesmo velho meta humor e piadas mal misturadas no roteiro. O humor da Marvel é previsível, e as piadas em “She-Hulk: Attorney at Law” não são exceção.

    Embora nem todas as tentativas de um zinger acabem, as que o fazem são dignas de gargalhadas, e o show é mais bem-sucedido com sua comédia física enquanto Jennifer aprende e abraça sua força de Hulk. As cenas de luta da série são criativas e rápidas, não negligenciando a força da batalha para risos. Temos um gostinho de como é o poder de She-Hulk e, com aparições divertidas espalhadas por toda parte, podemos experimentar a alegria de ver outros personagens em ação também.

    Antes do lançamento do programa, muito da discussão dizia respeito ao seu CGI. E sim, é maluco. A seu favor, as prévias de baixa resolução que os fãs já viram derrubaram as expectativas. Mas quanto mais você assiste dentro do programa, mais você se adapta e menos gritante o pobre CGI se torna.

    “She-Hulk: Attorney at Law” é uma série divertida com boa ação, comédia decente e reflexão feminista. Ele aborda as diferenças na percepção e representação de gênero pela mídia e pela sociedade em geral, a distinção e o poder da raiva feminina e o monolito forçado que se espera que as heroínas sejam. É profundo? Nem um pouco, mas enquanto mais representação feminina é sempre uma adição positiva às adaptações da Marvel, não é necessário nem desejado que toda história de heroína seja gravemente séria e agressivamente delineada com pontos de bala na teoria e realidade feministas. As mulheres querem ver as mulheres sendo mulheres e, embora se espere reflexão, fazer com que a existência de personagens femininas dependa exclusivamente das lutas da feminilidade não é feminismo.

    “She-Hulk: Attorney at Law” escolhe cuidadosamente quais questões destacar e permite que o resto seja o entretenimento que esperamos.

    Primeiros quatro episódios selecionados para revisão.

    Fonte: www.rogerebert.com

  • Only Murders In The Building entra no ringue em seu novo episódio

    Only Murders In The Building entra no ringue em seu novo episódio

    Com as provocações de Kreps ressoando em seus ouvidos (o que vou apontar como uma adição desnecessária – re-ouvir essas provocações alguns minutos depois de ouvi-las pela primeira vez é… quer dizer, acabei de ouvi-las. !), Mabel olha para as peças do quebra-cabeça que Alice fez para ela, observando que pelo menos duas delas ostentam o logotipo do podcast “All is Not OK”. Esse logotipo traz Mabel de volta à memória, enquanto ela ouve novamente um episódio de “All is Not OK”, e Cinda observa através da narração que “policiais de cidades maiores” ajudaram os policiais de uma pequena cidade de Oklahoma a tentar resolver o assassinato da há muito desaparecida Becky Butler. Mabel termina o quebra-cabeça que Alice criou – um retrato de nossa heroína cercada por seus itens favoritos – quando Cinda menciona que parou em um restaurante chamado Chicken Chug, cujo “logotipo laranja e verde parecia me seguir por toda a cidade”. Bem então!

    Charles, enquanto isso, é visitado mais uma vez por Leonora Folger, exceto… bem, vamos chamá-la pelo nome correto: Rose Cooper. Sim, MacLaine está interpretando o pintor original, aquele que desapareceu no ar. Ela sabia o suficiente sobre Leonora para fingir ser ela no dia do velório de Bunny. “Você fez isso como o mestre que você é”, diz Charles agradavelmente. “O mundo está se perguntando sobre você há anos.”

    Rose observa que as pessoas só prestaram atenção porque ela desapareceu. “Eu não sei muito sobre meu pai, mas eu não acho que ele era um bom homem,” Charles diz calmamente, se perguntando se seu pai é o motivo de Rose ter se escondido. Rose inicialmente não fala sobre por que ela se escondeu, principalmente na esperança de recuperar aquela pintura. Rose fica impressionada quando vê o original na inauguração de Charles, enquanto ele observa o rasgo na tela. Ela pede que ele remova os pregos da parte de trás da tela, revelando que a pintura que ela fez do pai de Charles nu era “para mim”, mas havia outra pintura enterrada embaixo “para ele”: é do pai de Charles e um o jovem Charles, olhando para o Arconia como vimos em um flashback do início da temporada. “O homem que ele mais queria ser: um pai para seu filho”, diz Rose, apelidando o pai de Charles de seu verdadeiro amor. Ela explica que desapareceu porque seu “marido cheio de raiva” era tão perigoso que era seguro fugir completamente, deixando seu pai com o coração partido até que ele morresse.

    “Nós não fazemos xixi nas coisas só porque elas são moles”, Oliver repreende seu cachorro Winnie no elevador antes de serem recebidos por Teddy Dimas (Nathan Lane). Nem é preciso que as portas se fechem antes que Oliver comece a estrangular Teddy, uma luta que nem sequer faz uma pausa quando Howard (Michael Cyril Creighton) se junta a eles no elevador brevemente. Eventualmente, Oliver percebe que Teddy, por mais horrível que tenha sido, não sabe Por quê Oliver está bravo e afirma o que você provavelmente adivinhou há algum tempo: Teddy é o pai biológico de Will. Teddy e Oliver voltam ao apartamento deste último para discutir, enquanto Oliver explica que passou a noite inteira conversando com sua ex-esposa, e Teddy tenta esclarecer que o caso foi apenas uma coisa de uma noite, não importa o resultado. “Ele é tudo que eu tenho, Teddy. Se eu perder meu filho, eu não tenho nada,” Oliver diz sem rodeios e tristemente. Teddy observa que qualquer comportamento terrível que Oliver possa ter exibido com Will, não pode ser tão ruim quanto o que Teddy fez com seu filho Theo (James Caverly). Mais tarde, eles compartilham uma bebida, enquanto Oliver relembra seu próprio pai, um vendedor de porta em porta que ele tentou manter entretido “com minha … alguns descreveriam uma personalidade ‘extra’”. Ele então calmamente, mas com firmeza, implora Teddy para manter a ascendência de Will em segredo. “Não podemos continuar seguindo em frente?” Teddy, para seu crédito, concorda, presumivelmente colocando este na cama.

    Mabel, com seu novo conhecimento, vai ao estúdio de Cinda e encontra Poppy (Adina Verson) lá, pois Cinda está em “uma massagem vocal … ela paga um cara tailandês para esfregar sua garganta, o que você quer que eu diga vocês?” Mabel, você deve se lembrar, teve uma boa dose de suspeita na última vez que falou com Poppy, que agora rescinde sua oferta anterior de ajuda porque está com medo de toda a vibração de Cinda. Mas Mabel sabe que “Tudo não está bem” é o centro do problema, especialmente quando Poppy fica muito nervosa e exige que ela vá embora. “Você não sabe o que ela faria para conseguir o que quer.”

    Ao mesmo tempo, Charles descobre que Rose está especialmente feliz por ter sua pintura de volta e dar a outra a Charles, em vez de “aquela mulher que veio farejando”. E era uma mulher de cabelos castanhos e óculos. Quem conhecemos que pode se encaixar nessa descrição?

    Fonte: www.slashfilm.com

  • O segredo está no molho: Alison Brie em Spin Me Round | Entrevistas

    O segredo está no molho: Alison Brie em Spin Me Round |  Entrevistas

    Brie co-escreveu “Spin Me Round” com Baena, e é acompanhado na tela por um elenco que inclui Debby Ryan, Molly Shannon, Zach Woods, Tim Heidecker, Ben Sinclair, Ayden Mayeri, Fred Armisen, Lauren Weedman e Aubrey. Praça.

    RogerEbert.com falou com Brie sobre a energia colaborativa de “Spin Me Round”, seus componentes pessoais, o momento em que ela ficou nervosa ao conhecer Frances McDormand e muito mais.

    Você acredita na ideia de “nunca conheça seus heróis”?

    Sim, eu acredito na ideia de “nunca conhecer seus heróis”, mas você sabe, provavelmente porque eu sei que sou ruim nisso. Sempre que encontro um ator que admiro muito, não vai bem. Eu me sinto tão envergonhada, acho que fico muito nervosa. Então não é pela razão que eu acho que você está insinuando, normalmente as pessoas dizem isso como se essas pessoas fossem te decepcionar. Mas acho que me decepcionei nas interações. Eu sou como, Por que não disse a coisa certa para Frances McDormand daquela vez? Essa foi uma interação terrível! Eu filmo um filme inteiro com Meryl Streep, várias cenas, e nunca disse a ela o quanto ela significa para mim! Estou pensando, Ela não quer ouvir isso, ela já ouviu isso muitas vezes, apenas aja! Basta ser profissional! E então mais tarde eu sou como, Eu sinto que você poderia ter dito a Meryl o quanto você a ama e admira [laughs].

    O que você disse para Frances McDormand? Você se lembra?

    Oh Deus, é como… Sim, eu me lembro infelizmente [laughs]. Foi há alguns anos, quando “GLOW” estava no circuito de prêmios um pouco com “Three Billboards Outside of Ebbing, Missouri”, e então eu tinha ouvido falar que ela era fã do show porque algumas outras pessoas em “GLOW ” correu para ela e ficou tipo, “Frances McDormand disse que é uma grande fã do show!” Então eu a encontrei no SAG Awards, e eu conhecia alguém que estava na mesa do “Three Billboards”, então fui cumprimentá-la. Eu estava um pouco bêbado e ela meio que se transformou e lá estava Frances McDormand, que eu admirei toda a minha vida. E ela diz: “Você!” E eu digo: “Você!” E então ela diz: “Não, você!” E então eu digo, “Yoouuu!” E ela é como [annoyed voice] “Você.” E eu fiquei tipo, “Yoouuu!” Eu podia sentir como se a parte fosse muito longa. Por que você continuou dizendo “Você!”? Eventualmente, ela fez uma pausa e eu disse: “Muito obrigado, grande fã! Desculpe!” [laughs] Eu adoraria um re-fazer.

    Como redatora de “Spin Me Round”, como você encontra esse equilíbrio de criticar essas instituições grudentas – fico pensando no molho de Alfredo nos créditos de abertura – sem despejar em pessoas como Amber? Estou curioso como você e Jeff Baena fizeram isso na escrita.

    Claro, eu não acho que é nossa intenção despejar qualquer coisa. Acho que vemos a comédia inerente em uma cadeia de restaurantes italianos realmente americanizada, levando as pessoas para um programa que é tão americanizado quanto o próprio restaurante. Há uma comédia inerente lá, mas acho que como ator e escritor, abordo todos os personagens com compaixão. Eu acho que Jeff é da mesma forma, nós amamos todos os personagens que criamos e tentamos ver da perspectiva de todos dentro da história, e o que todos querem e esperam, e como essas expectativas são frustradas. Eu acho que a comédia precisa ter coração, para mantê-la relacionável. E nunca é divertido ver pessoas ou personagens sendo ridicularizados, acho que você quer descobrir o que é relacionável sobre cada personagem e depois colocá-los em situações embaraçosas, e é daí que vem a comédia.

    Fonte: www.rogerebert.com

  • A princesa e o canalha convida você para o casamento (e lua de mel) de Han Solo e princesa Leia

    A princesa e o canalha convida você para o casamento (e lua de mel) de Han Solo e princesa Leia

    Para a Aliança pela Restauração da República, o cenário político após “O Retorno de Jedi” é tênue. Grande parte do Império não acredita que o Imperador esteja morto. A Operação Cinder — o equivalente de Palpatine a um Decreto Nero — ainda não foi posta em prática. E a galáxia está prestes a mergulhar em um vácuo de poder que faria com que uma Rebelião desorganizada precisasse se transformar em um governo completo.

    Mon Mothma, que veremos novamente em breve no próximo mês na série do Disney+ “Andor”, é um jogador menor no livro, mas uma força importante na política da galáxia. Como líder política de fato da Aliança Rebelde, ela tem que encontrar um caminho através da luta de governança para realmente afetar a mudança após a destruição do Império. Ela está procurando qualquer coisa para ajudar a mudar a maré, seja uma vitória decisiva ou a foto certa para influenciar a opinião pública.

    Neste ponto da história, a Batalha de Jakku ainda está a um ano de distância e o Império ainda tem muitos danos a causar. “A princesa e o canalha” nos mostra as profundezas que eles estão dispostos a afundar. De sua parte, Leia está dilacerada pela noção de que não importa quão decisiva seja sua vitória sobre o Império, ainda resta mais luta. Isso torna ainda mais difícil para ela concordar em ir no Halcyon em primeiro lugar. Há esse cansaço para a vitória quando todos percebem o quanto há de lutar.

    É uma situação precária e desgastante para a Rebelião e fornece um momento intrigante para Revis explorar no texto.

    Fonte: www.slashfilm.com

  • Novo cenário de combate é examinado em guerra não declarada inconsistente | TV/transmissão

    Novo cenário de combate é examinado em guerra não declarada inconsistente |  TV/transmissão

    Um dos problemas é que a maior parte de “The Undeclared War” é vista pelos olhos de uma protagonista maçante, uma jovem estudante de experiência de trabalho chamada Saara (Hannah Khalique-Brown) que aparece no GCHQ (Sede de comunicações do governo) no dia que alguém ataca o sistema de tecnologia do Reino Unido. Ela é uma personagem lamentavelmente subscrita desde o início, um dispositivo de escritor – a nova garota quieta que pode resolver problemas de uma maneira que a estrutura tradicional não pode – em vez de uma pessoa real. E os esforços para preencher sua personagem com uma tragédia familiar e um relacionamento em seu novo emprego são superficiais e manipuladores, em parte porque Khalique-Brown não consegue lidar com Saara, alguém que parece principalmente apática ao que está acontecendo ao seu redor quando está não sendo usado pelos escritores. Há uma versão de “The Undeclared War” que não depende tanto de um personagem que é tão categoricamente concebido e executado.

    Os desenvolvimentos que mudam o mundo em que Saara tropeça começam com esse ataque, que parece muito ruim – as viagens aéreas pararam, algumas redes caíram – mas não o fim do mundo. Enquanto o GCHQ e o relativamente novo primeiro-ministro (Adrian Lester) tentam rastrear a fonte do ataque (e presumem a Rússia), Saara descobre que era apenas o começo. Há outro ataque cronometrado no malware, definido para devastar o Reino Unido muito mais profundamente, e então ela encontra uma mensagem incorporada ainda mais profunda, continuando sua jornada por esse país das maravilhas da tecnologia.

    Kosminsky se afasta da jornada de Saara às vezes para pintar uma imagem maior do que está em jogo em países poderosos ao redor do mundo; ele obtém sua quilometragem mais interessante ao desvendar como fantoches de meia, bots e vendedores deliberados de desinformação estão moldando não apenas a percepção, mas a ação. O namorado de Saara, James (Edward Holcroft), faz parte de um movimento de protesto que nem percebe o quanto está sendo moldado por desinformação. Kosminsky também passa o tempo com uma jornalista russa que está sendo literalmente usada como porta-voz de propaganda por seu governo corrupto.

    Fonte: www.rogerebert.com