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É difícil escrever sobre esse filme sem falar muito. O filme foi exibido em inúmeros festivais de cinema durante as temporadas de 2021-22 e por um bom motivo. É lindamente filmado e fácil de programar, mas naquela época também ofereceu um momento de catarse para aqueles que tinham sentimentos profundos sobre a falta de contato físico e amoroso entre os humanos durante a pandemia. É um filme que não diz exatamente do que se trata, mas você sabe do que se trata, mesmo que sua entrega possa ser um pouco estranha e ambígua. O filme começa com uma cena da mão de uma garota no botão do elevador e essa mão sendo esbofeteada por outra. O toque nem sempre cura, é claro, mas no filme de Tenzis é tudo.

Perguntas e respostas com Christopher Tenzis:

Como você descobriu isso?

“Big Touch” foi inspirado no hiperrealismo do escultor Ron Mueck cujos temas são pessoas suspensas no tempo pelo peso das suas emoções. Algumas das esculturas de Mueck são gigantescas, elevando-se sobre o observador, e outras vezes são tão pequenas que precisam ser colocadas em um pedestal para ficarem na altura dos olhos. Eu me perguntei se o tamanho deles estava em relação direta com seus sentimentos; não que um sentisse mais que o outro, mas que os próprios sentimentos ditavam o seu tamanho. Por exemplo, um homem era pequeno porque se sentia marginalizado e desamparado, e uma mulher era enorme porque estava cheia de amor, mas não tinha onde colocá-lo. Então me perguntei o que aconteceria se as criações de Mueck pudessem se tocar? Será que se igualariam em tamanho porque, por um momento de alívio, seriam lembrados de que não eram a soma total da singularidade de uma emoção, mas que também tinham corpos com os quais sentir?

Como foi o processo de seleção para isso?

Houve muitas conversas durante o elenco sobre como a raça poderia impactar o filme, mas não saberíamos até encontrarmos o talento certo. Como o filme tratava antes de mais nada da universalidade da empatia por meio do toque, encontrar um elenco comovente que pudesse comunicar esse tema era minha prioridade. Raymond Ejiofor foi a única pessoa que olhamos que não apenas entendia o personagem, mas também conseguia expressar as emoções com seu corpo. Astra Marie Varnado, que interpreta Judy, nossa heroína, foi a única que vimos que estava explodindo para expressar amor. De repente, com Ray e Astra no lugar, o filme ganhou um novo significado. Anos atrás, conheci Robert Altman no Festival de Cinema de Austin e ele disse que não escolheu o elenco para o que queria, ele escolheu o que não sabia que queria. Portanto, a palpabilidade e a sinceridade da narrativa simbólica são evidências de confiança nesse processo.

Falando nisso, Chalamet pode ser a maior fraqueza do filme. Não é que Chalamet seja ruim no papel, e é louvável que ele esteja tentando uma atuação mais boba fora de sua zona de conforto. O principal problema é que as tentativas de Chalamet de ser bobo e peculiar nunca parecem genuínas. Chalamet quer desesperadamente que acreditemos nele, desde sua entrega de “Então, acalme-se e escute. Não, acerte isso, inverta”, até perguntar a Noodle como ela gosta de seu chocolate com uma torção não natural de seu pescoço: “Escuro, branco, maluco, absolutamente louco?” Mas sempre soa falso.

Ao longo de todo o filme, Chalamet certamente tem carisma e não é improvável, mas nunca parece que ele realmente se torna Willy Wonka, e sua atuação é como uma versão escolar do personagem ou uma adaptação do esboço de “Saturday Night Live”. Embora existam momentos de emoção comovente para Chalamet que funcionam lindamente, graças à história de fundo envolvendo sua mãe (interpretada em flashbacks por Sally Hawkins), os traços característicos de Wonka carecem de autenticidade e isso tira muito encantamento da maravilha do filme.

Felizmente, o elenco de apoio de “Wonka” compensa o vazio de Chalamet. Eles podem até ser parte do motivo pelo qual o desempenho de Chalamet não se destaca tanto quanto deveria. Todos, desde Olivia Colman até o trio que compõe o cartel de chocolate de desenho animado, sabem que estão em um musical fantástico que segue os passos da recente adaptação de “Matilda”, e interpretam seus personagens com a quantidade certa de comédia. Não deveria ser surpresa que Hugh Grant se destaque como um Oompa Loompa (nem todos os Oompa Loompas, apenas um). A entrega irônica, mas direta de Grant é um contraponto divertido para Wonka, e ele ainda recebe alguns dos retornos de chamada mais flagrantes do filme ao original (embora algumas dessas falas também venham direto dos livros). Mas, honestamente, os personagens coadjuvantes são tão bons que Wonka só se sente a estrela do filme por padrão.

“Wonka” perde pontos entre o elenco de apoio ao colocar Keegan-Michael Key em um terno cada vez mais gordo, como o chefe de polícia viciado no chocolate que o cartel usa para pagá-lo por seus atos corruptos na lei. Embora o roteiro não ataque ativamente seu tamanho por meio de diálogos insultuosos, seu peso crescente é claramente motivo de risadas. Certamente há uma maneira de esse elemento da trama ter sido executado de forma cômica sem usar o peso do personagem como piada, mas essa é uma falha que remonta à escrita de Roald Dahl, e é uma pena que o cineasta que nos deu o bom coração ” Os filmes de Paddington não poderiam evitar isso.

Às vezes, a tendência do filme de favorecer clipes de filmes e frases de efeito bombásticas realmente não importa, já que a justaposição de tantas personalidades conflitantes ainda cria sua própria harmonia lunática. Na transição mais desarmante e lógica do filme, saltamos do colega cineasta do Novo Cinema Alemão Wim Wenders, que parece estar certo quando sugere que Herzog “moldou a percepção americana dos alemães como ninguém”, para Carl Weathers. , que diz isso, “Werner… é uma forma… de Darth Vader.” Não entendo inteiramente do que os dois homens estão falando, mas ouvi-los dizer isso e tão próximos um do outro parecia apropriadamente maluco e poético.

Por outro lado, nem todo fragmento de filmagem empilhado em “Werner Herzog: Radical Dreamer” acrescenta algo essencial. Algumas filmagens são surreais de uma forma colorida, como quando o neto de Herzog salta de esqui logo depois de vermos imagens de “The Ecstasies of Woodcarver Steiner”, o curta-metragem documental de Herzog de 1974 sobre o saltador de esqui suíço Walter Steiner. É menos divertido ver Herzog dirigindo por Los Angeles, falando sobre o apelo fundamental da cidade como um lugar onde “as pessoas não apenas falam sobre isso, elas realmente fazem isso”. Ok, mas também né?

Parte do apelo de um documentário de Herzog depende de quanto ele reflete o indelével esboço de Herzog, mas por que, ah, por que, os cineastas não fazem perguntas complementares, digamos, ao diretor de “O Ato de Matar”, Joshua Oppenheimer, que sugere que, quando Herzog manipula a realidade em seus documentários, ele não está nos enganando, mas sim nos mostrando algo que está “sempre lá e que de outra forma não veríamos”.

Melhor ainda, por que não há mais entrevistas com Stipetic, cujos comentários de cara feia sugerem que ele pode ter sido o melhor personagem coadjuvante do filme? (Stipético sobre por que eles não puderam pagar cinco milhões de dólares a Jack Nicholson para estrelar “Fitzcarraldo”: “Isso não teria sobrado muito orçamento.”) Algumas pessoas podem gostar de um clipe solitário de uma entrevista de Henry Rollins, bem como de ocasionais anedotas da estrela de “Rescue Dawn”, Christian Bale (outro Batman!). Outros podem se perguntar por que estamos assistindo a uma caótica saudação documental a Herzog, quando poderíamos estar assistindo a um filme de Herzog.

No VOD amanhã, 5 de dezembro.