Não tenho mais certeza do que é normal. Só sei que momento a momento, segundo a segundo, estamos navegando pelas curvas de uma realidade imune à definição. “Normal” nos últimos dois anos é aprender que o amanhã é a coisa mais importante da vida. (E depois de um voo árduo, que viu meu voo cancelado, depois atrasado e minha bagagem extraviada, fazendo com que eu me esforçasse para encontrar o dia de hoje. A ideia do amanhã me tranquilizou). Mas o que é tão nutritivo é o amanhã finalmente chegando.
E chegou com força total na 56ª edição do Festival Internacional de Cinema de Karlovy Vary. Desde uma emocionante cerimônia de abertura até ver um grupo de rostos familiares, muitos sinais de normalidade existem aqui. Mas o que mais me impressiona, além da linda arquitetura pseudo-renascentista e as ruas de paralelepípedos lotadas desta cidade verdejante e aninhada nas montanhas, é sua vibração e idade. Embora o KVIFF seja um dos festivais de cinema mais antigos do mundo, fiquei impressionado com a quantidade de adolescentes e adultos em idade universitária que estão por perto, fazendo fila para todos os filmes e aproveitando o melhor do cinema mundial. É uma visão alegre que me deixou menos pessimista em relação ao futuro. Enquanto festivais como o KVIFF inspirarem a próxima geração, como não ser otimista?
É um tanto apropriado, então, que meu primeiro filme, no meu primeiro dia inteiro, tenha sido a estreia na direção de longas-metragens do cineasta paquistanês Saim Sadiq: “Joyland.” Digo “um pouco” porque “Joyland” – vencedor do Prêmio do Júri Un Certain Regard de Cannes e Queer Palm – não é particularmente alegre. É uma interrogação agridoce e melancólica da sexualidade e dos papéis de gênero que dá muito poucos golpes.
Haider (Ali Junejo) nunca consegue agradar seu pai tradicional (Salmaan Peerzada). Enquanto sua esposa Mumtaz (Rasti Farooq) vai feliz para trabalhar como cabeleireira (ela gosta de sua independência), Haider fica em casa para cozinhar e limpar, cuidar de sua cadeira de rodas e cuidar das filhas de seu irmão machista Saleem (Sohail Sameer) e sua cunhada Nucchi (Sarwat Gilani). Para provar seu valor, Haider precisa desesperadamente de um emprego.
Um velho amigo lhe oferece um show como dançarino de apoio para Biba (Alina Khan), uma dançarina exótica transgênero que definha como o ato de intervalo. O Haider de pés de pedra é imediatamente levado por Biba. Seu despertar ameaça a reputação de sua família e pressiona sua esposa.
Sadiq e a co-roteirista Maggie Briggs entendem como fazer um personagem complexo, mas falho, em Haider sem difamá-lo ou absolvê-lo. Haider muitas vezes luta para enfrentar seu pai; ele também cede ao seu irmão. Tanto assim, ele se curva aos papéis de gênero esperados ao concordar em fazer de Mumtaz uma esposa dona de casa e tentar ter filhos – dois resultados que Mumtaz se opõe. Mas Haider é covarde e, consequentemente, egoísta. Este último o coloca em desacordo com Biba, mesmo quando o casal desenvolve um amor florescente, porque Haider ignora quem ela realmente é. E tudo desaba sobre Haider de maneiras trágicas e de partir o coração.
Visualmente, Sadiq e o diretor de fotografia Joe Saade (“Costa Brava, Líbano”) oferecem composições de evocação: profundidades de campo profundas e bloqueio inteligente – em uma história provocativa. Sadiq também exibe um maravilhoso senso de som, especificamente dinâmico, especialmente durante as sequências de dança: um é iluminado por celulares de uma audiência inteira e editado para fins vertiginosos. E os atores são simplesmente maravilhosos, particularmente Junejo, Khan e Farooq – que formam um triângulo devastador como enlutados de seus desejos adiados. O filme traz algumas cenas repetitivas, mas o final angustiado faz de “Joyland” uma afirmação ousada e elegante.
Kristina Buozyte e Bruno Samper “Vesper”, da mesma forma, diz respeito a sonhos não realizados. Um thriller pós-apocalíptico sobre um desastre ecológico que se estende por uma paisagem desolada de ficção científica – a protagonista (Raffiella Chapman) é uma garota brilhante que vive no limite mais sombrio da destruição. Vesper poderia ser muito mais se pudesse ir para a Citadel de tecnologia avançada. Mas sua mãe partiu há um ano. Então ela passa seus dias procurando material para realizar seus experimentos sintéticos e biológicos enquanto cuida de seu pai paralisado.
Seu pai a acompanha em suas caminhadas em virtude de um andróide falante em forma de cabeça, conectado ao cérebro e decorado com um rosto sorridente. Pai e filha vivem uma vida tênue que é ainda mais revirada quando um casal de navios pertencentes ao acidente da Citadel. Nos destroços, Vester encontra Camellia (Rosy McEwen), uma mulher com muitos segredos e poderes de cura que está procurando por seu pai. Camellia promete a Vesper uma viagem à Cidadela se ela conseguir encontrar seu pai. Mas o implacável tio de Vesper, Jonas (Eddie Marsan como um creeper de sangue frio) espera entregar Camellia para uma recompensa.
O filme de ficção científica de Buozyte e Samper é claramente sobre a relação entre pais e filhos. As ações que Vesper e Camellia tomam para proteger seus respectivos pais são da filha altruísta e obediente que nunca pensa em si mesma. O diálogo superficial nem sempre se sustenta, e você pensaria que alguém como Vesper, que passou por tanta tragédia e infortúnio, carregaria pelo menos uma pontada de amargura ou alguma falha. Em vez disso, ela opera como um andróide fiel cuja maior falha é se importar demais.
A grande atração de “Vesper”, no entanto, é a construção imaginativa do mundo por Buozyte e Samper. Através de uma mistura de efeitos práticos e visuais robustos, eles criam um bando de organismos caprichosos semelhantes a plantas que são únicos em vários níveis. Cada textura, desde o ar úmido e frio até a madeira em ruínas da casa de Vesper, é sentida. E os personagens, especialmente Marsan e Chapman, constroem ricas interioridades. Um confronto final entre Vesper e os stormtroopers da Citadel faz com que o tempo de execução muito paciente valha a jornada, mesmo que o final do filme, no topo de uma torre, pareça responder a muitas perguntas nesta emocionante e inventiva aventura.
Enquanto “Vesper” se passa em um futuro não muito distante, o documentário visualmente suntuoso de Brett Morgen “Devaneio da Lua” aborda uma pessoa que parecia vir do futuro: David Bowie.
Através de seu estilo de contar histórias, Morgen cobre a extensão das múltiplas evoluções artísticas de Bowie: desde seu alienígena bissexual andrógino, até suas carreiras de ator e pintura, e seu estadista mais antigo – é uma recontagem completa que evita a típica trama biográfica. Na verdade, muitas vezes você espera que um documentário seja tão interessante quanto seu assunto. E o filme de Morgen não é apenas fascinante. É o casamento perfeito entre assunto e estética.
A primeira metade chega em um swoosh e bang na fase “Ziggy Stardust” do artista enquanto Morgen intercala as performances de Bowie com uma explosão caótica e caleidoscópica de cores cinéticas. A partir daí, o documentário se acalma; como Bowie, através de entrevistas de arquivo em programas noturnos, relata sua vida e processo criativo. O filme nunca desacelera o suficiente para parecer rotineiro. Em vez disso, o ritmo deliberado de Morgen na segunda metade parece combinar com a própria jornada meditativa de Bowie ao redor do mundo em uma busca por si mesmo que resultaria em algumas de suas melhores músicas: A performance de “Heroes”, em particular, é uma sequência de destaque composta de edição nítida e coesão impressionante.
Ao dar a Bowie a chance de contar sua própria história, por assim dizer, surge um truque: durante sua vida, o artista falou sobre todas as fases de sua carreira, exceto a última: “Blackstar”. Isso é claro porque ele faleceu de câncer dois dias após seu lançamento, deixando apenas para trás o álbum e um videoclipe estelar. Mas Morgen conhece uma solução alternativa. Porque “Moonage Daydream” não apenas acompanha as mudanças criativas na vida do hitmaker. Trata-se de seus pensamentos sobre a mortalidade. Já aos 20 anos, Bowie trabalhou para entender a morte e falou muito sobre isso. A montagem de soundbites essencialmente mostra como o cantor chegou a um estado de conforto mental onde ele poderia fazer “Blackstar”.
A cada passo, o filme de Morgen é um resumo bombástico, superestimulante, pungente, afirmativo e arriscado do ethos do artista e do amadurecimento como pessoa. Resumindo, “Moonage Daydream” é o filme que Bowie teria feito com orgulho.
Fonte: www.rogerebert.com
