À medida que sua carreira avançava, observei ele fazer filmes com heróis japoneses, coreanos, hispânicos, afro-americanos, homens e mulheres. Seus filmes ensaiavam o distrito de Richmond em São Francisco, as bodegas de esquina do Brooklyn, de volta a Hong Kong, onde ele nasceu, para vê-lo retornar ao domínio chinês, depois para um passado distante, um passado não muito distante, e ao eterno presente com a mesma atenção aos detalhes aparentemente cotidianos. Onde quer que fosse, ele carregava sua dívida para com Ozu e Satyajit Ray como uma lente através da qual se concentrava no que era mais importante em um mundo vivido. Passei a entender que Wang me representava – que seus filmes falavam especificamente para mim, mas não como um sino-americano, mas sim como uma pessoa em busca de completude. Sempre estive um pouco perdido e procurando um lugar que pudesse ser meu lar. Os filmes de Wayne Wang são sempre sobre náufragos como eu, filmes como o doce e lindo “Dim Sum: A Little Bit of Heart” (1985) e “Smoke” (1995) e sua delicada e devastadora obra-prima “Coming Home Again” (2019) mas mesmo em coisas como seu filme sobre a garota e seu cachorro “Por causa de Winn-Dixie” (2005), seu thriller erótico psicossexual “O Centro do Mundo” (2001) e o veículo de Natalie Portman “Anywhere But Here” (1999).
Quando tive a oportunidade de conversar com Wang sobre o lançamento de “Dim Sum” pela Criterion em uma rigorosa apresentação em Blu-ray que inclui, entre outras coisas, um ensaio brilhante de Brian Hu, do Festival de Cinema Asiático de San Diego, fiquei fora de mim. Comecei, como achei que deveria, perguntando-lhe sobre a importância de ouvir:
WAYNE WANG: Ah, é o mais importante. É a única coisa. Não há escuta suficiente neste mundo. Lembro-me que alguns anos antes de minha mãe falecer, eu costumava visitá-la em sua casa. Haveria muito pouco para dizermos, por assim dizer, pelo menos muito pouco que fosse específico, então apenas sentávamos no quintal e não conversávamos. Às vezes, ficávamos sentados em silêncio por uma hora. Eu iria, você sabe, talvez ouvir, talvez apenas adormecer. Mas a escuta foi realmente interessante, especialmente a escuta do silêncio – ou especificamente o silêncio entre mim e minha mãe no final. Acho que há paz e aceitação. Pelo menos foi nisso que me sentei: silêncio, paz e aceitação. Há uma calma em tudo isso que eu realmente apreciei em nosso relacionamento. Essa foi a única vez na minha vida em que senti isso com minha mãe.
Seus filmes têm uma quietude notável.
Acho que nos filmes, de modo geral, as pessoas não ouvem o suficiente. Quando trabalho com atores, muitas vezes digo a eles “Você não está ouvindo”, você sabe, “Ouça o outro personagem, ouça o que o outro personagem está dizendo ou não”. Não há nada mais importante para mim.
Onde é que isso veio?
Acho que talvez parte disso tenha sido crescer como uma pessoa solitária, como uma criança solitária que passava muito tempo sozinha. Mesmo quando estava com meus pais, por assim dizer, tentava ouvir e não falar muito. Não conseguimos nos conectar enquanto estávamos conversando. Havia muito risco. E mais tarde, vendo filmes, os dois cineastas que mais me ensinaram foram Ozu e Satyajit Ray. Ozu e Ray tiveram seus personagens ouvir. Eles me ajudaram a dar forma aos meus sentimentos em relação ao silêncio – o exemplo deles sempre surge na minha cabeça quando considero o silêncio e o poder de ouvir. E sempre achei que os filmes de Hollywood, se você olhar um roteiro de Hollywood, estão cheios de diálogos. Havia um cinegrafista com quem trabalhei no “The Joy Luck Club” que veio até mim e disse: “Vamos fazer uma peça de rádio aqui? Todo mundo está constantemente conversando. Há muito diálogo. Por que não filmamos algo que lide com silêncios, que lide com o espaço intermediário?” Então esse foi um momento muito revelador para mim também, como mesmo nesta produção gigante com todas essas estrelas e essas expectativas, deveríamos abrir um espaço para a quietude.
Fonte: www.rogerebert.com
