O trauma é há muito tempo um tema do cinema independente – não custa muito dinheiro contar histórias de resiliência humana. E, portanto, faz sentido que um festival como o de Sundance tenha uma grande seleção do que poderia ser chamado de cinema deprimente. No entanto, “deprimente” costuma ser um descritor mais complexo do que parece. Dois dos filmes deste despacho são inegavelmente sombrios, mas eles superam esse clima por meio de detalhes densos dos personagens e uma filmagem excelente. O terceiro chafurda em sua desolação com muito pouca arte para equilibrar a sensação de que o público está apenas sendo punido por comprar um ingresso.
O melhor dos três é a estreia pessoal confiante de Noora Niasari “A coisa,” que ganhou um Prêmio do Público no fim de semana para o programa World Dramatic Competition. Supostamente baseado na própria experiência do cineasta, este drama surge com verdade, graças em grande parte a uma atuação impressionante de Zar Amir Ebrahimi, vencedor do prêmio de Melhor Atriz em Cannes por “Holy Spider”. Ebrahimi interpreta uma mãe escondida em um abrigo para mulheres na Austrália, processando alternadamente o trauma de seu passado e tentando criar um novo futuro para sua filha. Com seu marido abusivo na mistura narrativa, “Shayda” cantarola com pavor inevitável. É um cabo de guerra entre a esperança e o medo que dá a Ebrahimi a plataforma para esculpir um personagem completamente tridimensional. Viemos cuidar de Shayda e de sua filha. E, por extensão, as milhares de mulheres na tragicamente mesma posição no mundo
“Shayda” se desenrola em 1995 e traz sua personagem-título, interpretada por Ebrahimi, e sua filha Mona (Selina Zahednia) em quase todas as cenas. Shayda mudou-se para a Austrália com Mona e seu marido Hossein (Osamah Sami), mas seu abuso diário, incluindo estupro, tornou-se insuportável, forçando-a a ir para um abrigo com localização não revelada – o medo de que alguém descubra onde Shayda e Mona vivem dá a Niasari filme o ímpeto de um thriller, aprimorado por uma proporção restrita que nos faz sentir tão presos quanto eles. De certa forma, mesmo quando esses personagens estão buscando a liberdade, eles estão se prendendo em uma vida que torna qualquer tipo de erro potencialmente mortal. Não ajuda que Shayda seja forçada a deixar Hossein ver sua filha nos tribunais. E se Mona deixar escapar um detalhe sobre a localização deles? Isso poderia colocar não apenas elas em perigo, mas também as outras mulheres que estavam lá.
Ebrahimi oferece uma atuação impressionante, que equilibra o medo palpável e a coragem impressionante. Nisari coloca muito em seus ombros, tradicionalmente contando a história e percebendo que seu personagem-título será o que importa para os telespectadores. Ver Shayda tentar fazer parte da comunidade iraniana na Austrália – enquanto rejeita as crenças antiquadas que insistem que ela volte para o marido – faz com que o personagem se sinta completamente completo, crível e progressivo ao mesmo tempo. Acreditamos tanto em seu medo quanto em sua esperança em igual medida. Às vezes, eles podem existir no mesmo espaço.
Há um equilíbrio semelhante de esperança e medo no excelente desempenho de Teyana Taylor em AV Rockwell’s “Mil e Um”, um vencedor um tanto surpreendente do prêmio do Grande Júri no programa da Competição Dramática dos EUA do festival deste ano. (Os vencedores recentes anteriores incluem “CODA” e “Whiplash”.) Mais uma vez, é a história de uma mãe protegendo uma criança enquanto Taylor interpreta uma mulher de Nova York chamada Inez que sequestra seu filho de um programa de adoção, mudando seu nome e certificando-se de ele fica quieto sobre seu passado.O segredo compartilhado entre Inez e Terry define seu relacionamento, um segredo que aumenta a tensão quando um menino se torna um homem e eventualmente descobre que a mãe estava escondendo mais do que ele jamais poderia ter imaginado.
Há duas razões pelas quais “A Thousand and One” foi capaz de se conectar com os telespectadores e superar uma narrativa relativamente artificial (embora os artifícios das cenas finais sejam suficientes para que não fosse minha escolha sobre algo como “All Dirt Road Taste de Sal”).
Primeiro, há a performance completamente comprometida de Taylor. Ela tem uma presença de tela notavelmente natural, desaparecendo instantaneamente em seu personagem de uma forma que faz a atriz desaparecer. Acreditamos que estamos assistindo uma mulher chamada Inez em meados dos anos 90 na cidade de Nova York em todas as cenas. É uma daquelas viradas de atuação que faz você querer ver o que um artista faz a seguir agora. Taylor poderia ser major.
A segunda força de “A Thousand and One” é o uso transportador do cenário por Rockwell. O filme vibra com a energia de Nova York nos anos 90, usando frases de efeito e notícias para lembrar constantemente a dinâmica de uma peça de época, mas também para dar ao filme a sensação de vida em torno de Inez e Terry. À medida que eles estão mudando, o mesmo acontece com a vizinhança gentrificante ao seu redor, e os detalhes no cenário fundamentam sua história indiscutivelmente melodramática. Se parecesse que Inez e Terry existiam apenas em sets modernos, “Mil e Um” não teria o mesmo suco. Ao colocar tanto cuidado no mundo ao seu redor, passamos a nos importar com Inez e Terry.
Infelizmente, Veerle Baetens não consegue chegar ao mesmo lugar com sua brutalmente manipuladora “Quando Derrete” um filme que exigia uma verificação de idade antes da exibição porque é uma experiência tão sombria e horrível. Quando você vai fazer o público sofrer pelos lugares sombrios que essa história percorre, a jornada precisa valer o esforço, e “When It Melts” não chega lá. Há uma atuação genuinamente forte de sua jovem estrela que o impede do fracasso total, mas é um filme que deixa bem claro desde o início que você assistirá a algo horrível no ato final, mas não deixa claro. por que você deve ficar por aqui para fazer isso. E então termina com uma nota tão sombria, fazendo com que as duas horas anteriores pareçam ainda mais punitivas. Respeito os filmes dispostos a mostrar o horror extremo da violência e do trauma de uma forma que não pisca, mas precisa haver mais do que isso para se agarrar. Caso contrário, é apenas tortura.
“When It Melts” se desenrola em uma estrutura de presente/flashback, principalmente a última. Nos dias atuais, conhecemos Eva (Charlotte De Bruyne), que se depara com uma postagem nas redes sociais sobre um memorial para um velho amigo da vila em que ela cresceu. Sua reação a esta postagem deixa claro que ela tem um trauma ligado a essa pessoa e sua juventude, e os flashbacks se desenrolam como um acidente de carro em câmera lenta, apresentando-nos a uma jovem Eva (a excelente Rosa Marchant) e seus dois amigos homens . O trio joga um jogo de adivinhação, no qual encontram garotas na cidade para quem contam uma charada. Para cada afirmação ou pergunta que engane a resposta do enigma, a adolescente tem que tirar um objeto de roupa. A tragédia violenta parece tristemente inevitável, especialmente considerando quantos adultos nesta comunidade parecem estar olhando para o outro lado.
Marchant é tão crível aqui que seu trabalho quase eleva “When It Melts” acima de seu roteiro fraco. Mas sempre me senti como se estivesse assistindo a um filme, um problema quando se trata de histórias sombrias da condição humana como esta. Isso leva a questionar por que o cineasta toma certas decisões em vez de investir nos personagens e em seus traumas violentos. Há muito aqui que parece fabricado de uma forma que é punitiva em vez de esclarecedora.
Fonte: www.rogerebert.com
