O poder de “Sweeney Todd” reside em sua capacidade de seduzir seu público a olhar (e rir) para a engenhosidade do canibalismo assassino. Desde sua estreia na Broadway em 1979 (estrelado por Len Cariou e Angela Lansbury), o humor negro “Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet” tem sido um favorito geral dos musicais de Stephen Sondheim (dependendo de quem você pergunta). Ele existe na interseção do teatro musical tradicional e da opereta, permitindo uma teatralidade flexível desde a pequena escala (a versão de John Doyle de 2005 e a encenação imersiva da loja de tortas da Barrow Street de 2017) até o grandioso palco da ópera. Nas mãos do diretor de “Hamilton”, Thomas Kail, “Sweeney Todd” permanece fiel às suas tecnicalidades teatrais nos palcos da Broadway em sua maior parte.
Inspirado no seriado penny dreadful da década de 1840 e na recontagem teatral de Christopher Bond em 1973, o livro de Hugh Wheeler trata da injustiça na Londres do século XIX. “Sweeney Todd” segue o barbeiro homônimo que retorna à capital para recomeçar a vida como barbeiro após sua prisão por uma acusação forjada. 15 anos após sua prisão, ele descobre que seu condenador, o corrupto juiz Turpin (Jamie Jackson), roubou sua esposa e filha. Indignado, essa percepção catalisa sua busca sanguinária para cortar a garganta de clientes inocentes com a ajuda da lojista de tortas Sra. Lovett (Annaleigh Ashford) abaixo de sua barbearia. Ela arquiteta um esquema brilhante e econômico para transformar as vítimas do barbeiro de Sweeney em tortas de carne que cortejam o paladar dos londrinos. Enquanto isso, o conhecido marinheiro de Todd, Anthony (Jordan Fisher), acaba se apaixonando pela filha roubada de Sweeney, Johanna (Maria Bilbao), e os dois planejam escapar das garras do juiz Turpin.
Nenhum lugar como Londres
Com o hype da ressurreição de Jonathan Tunick da orquestração de 26 músicos em uma configuração de poço afundado, Kail guia este renascimento com supervisão musical de Alex Lacamoire. Molduras cênicas de Mimi Lien 19ºLondres do século XX em um arco semelhante a um túnel e carrega a mise-en-scène com os móveis necessários: balcões de cozimento, mesas, baús, placas, plataformas e uma fornalha gigante. A segunda história sugere uma ponte de Londres que funciona como espaço de trabalho de Sweeney. Esse renascimento pode não ser o sonho maximalista cênico para os frequentadores do teatro, mas a designer de iluminação Natasha Katz coreografa os raios e as cores em torno da nudez.
Em escolhas criativas mais questionáveis, a coreografia de Steven Hoggett colore a narrativa com movimentos oscilantes e giros frenéticos que obedientemente preenchem a escuridão, embora acabe repetindo movimentos no final. Uma monstruosidade grandiosa é um guindaste imponente com um gancho pendurado que desempenha um papel importante na entrega da cadeira central da trama de assassinato de Sweeney.
As Engrenagens Estão Girando
Assumindo o papel de assassino carnudo, Josh Groban executa bem a tarefa (depois de uma passagem recente no fantoche mecha da Besta em “A Bela e a Fera: A 30ª Celebração”). Seu Sweeney sugere um humano derrotado que eliminou sua afeição paterna e compaixões morais há eras atrás. Embora experiente como Pierre do musical de palco “The Comet of 1812”, o Groban e seus vocais vêm com bagagem. O cantor multi-platina pode ser muito apegado ao seu brilho angelical. Funciona quando ele anseia (“Johanna – Quartet” e “Pretty Women”) e a beleza cria fricção irônica entre seus atos macabros, mas não é tão eficaz em sua trama conversacional (“Deus! Isso é bom”). Por um momento, ele realiza sua insensibilidade cômica a todo vapor em “A Little Priest”.
Um bom Groban é superado por Annaleigh Ashford, que tem que preencher os sapatos grandes para o criador de Lovett, a falecida Angela Lansbury. Começando com “The Worse Pies in London”, ela acerta o tempo físico com a massa arranhando, espalhando farinha e cuspindo. Não deixando nenhuma linha ou letra sem esculpir, ela faz uma refeição da voracidade de Lovett. Grande parte da hilaridade vem de seus focinhos unilaterais roubados com ele. De toda a carne de cadáver deslizando de sua cadeira de barbeiro, Todd é a carne que ela mais cobiça. Mas o mais importante, seus acessos de calor amanteigado misturam-se com sua duplicidade. Ela é um modelo dessa complexidade humana encontrada nas obras de Sondheim.
Principais jogadores
Infelizmente, a escolha de elenco mais fraca acabou sendo Jordan Fisher como o afável Anthony, desinteressante, mas convincentemente saudável. Um papel que combina as sensibilidades pop-rock de Fisher com a soprano imaculada de Bilbao exacerba sua incômoda tarefa. Quando a letra de Anthony deveria acalmar a ansiedade de Johanna, seu “Kiss Me”! desmoronar em vez de conforto. Quanto a Bilbao, ela pode bancar a boneca recatada e bem treinada na frente de seu patriarca predatório adotivo forçado, ao mesmo tempo em que agita seus instintos de sobrevivência. Também um sobrevivente é o Toby de Gaten Matarazzo. Armado com uma voz polida desde sua infância Gavroche dias em “Les Miserables”, a estrela de 20 anos de “Stranger Things” encontra dor de cabeça em Toby, um servo intimidado e então amado (então traído) filho adotivo de Lovett. Engenhosamente, Matarazzo vê os murmúrios fragmentados finais de Toby não como uma sucumbência, mas como uma luta para recuperar a ordem e a inocência depois de todo o caos.
Os antagonistas também são divertidos. Nicholas Christopher exagera como Pirelli, um barbeiro rival ostentando um falso sotaque italiano, que mal consegue conter o pânico sob a presunção meticulosa. Enquanto o Juiz Turpin não parece grande o suficiente como uma ameaça, Jamie Jackson o compõe com carnalidade abutre. Ao lado de Jackson, John Rapson aumenta a gentileza punível como o lacaio do Juiz, Beadle Bamford – que poderia executar um “Polly Plunkett” maldoso.
Além de um excelente conjunto, completando o elenco está Ruthie Ann Mills como a delirante Mendiga – cuja lucidez borbulha em batidas esporádicas. No entanto, seus presságios ressaltam avisos compassivos que os jogadores descartam.
O som de Sondheim
Embora abastecido com sons orquestrais e interpretações qualificadas de personagens como espetáculos dignos, este não é de forma alguma um “Sweeney Todd” tão visceral quanto suas idéias de classe. Em um nível de superfície operística, os temas textuais de Wheeler e Sondheim de injustiça, obsessão e hipocrisia carnal (feitos tão bem com a relação entre as tendências compassivas de Lovett e suas atrocidades) podem abalar as emoções. Mas esse design parece desinteressado em esculpir seus temas – talvez não tanto quanto o enquadramento original de fábrica de Hal Prince. Emilio Sosa e J. Jared Janas adaptam seus respectivos figurinos e maquiagens com distinções úteis, mas o guarda-roupa e os rostos geralmente permanecem muito indiscriminados e limpos.
Kail elabora uma tese de direção aceitável: o mecanismo de um conto de vingança seduz mais do que qualquer introspecção social que espuma sob sua superfície divertida. Desde a abertura até o final, o refrão se maravilha com a proficiência e diversão dos males de Sweeney e Lovett. “A Little Priest” impressiona pela destreza lírica, assim como o “Deus, isso é bom!” a sequência junta a mecânica do assassinato. Portanto, suas percepções brecthianas como “quem come comeu e quem consegue comer” aterrissam como inteligência emprestada, em vez de comentários contundentes tanto para sua Londres interna quanto para o mundo ao qual o público retornará fora do teatro. Por essas razões, talvez seja por isso que esse “Sweeney Todd” é um prazer seguro e salivante para o público. Agora, você vai comer aquela torta quentinha?
“Sweeney Todd” está tocando na Broadway no teatro Lunt-Fontanne.
Leia a seguir: Os 30 filmes mais esperados de 2023
O post Sweeney Todd Broadway Review: A Perversely Beautiful Sondheim Murder Musical apareceu primeiro em /Film.
Fonte: www.slashfilm.com
