Uma das grandes alegrias do TIFF é poder acompanhar os filmes que estrearam em Cannes cerca de quatro meses antes. Isso permite que essa equipe ofereça versões alternativas de alguns dos maiores filmes do ano, incluindo “Anatomy of a Fall”, vencedor da Palma de Ouro. Iremos apresentar alguns dos outros filmes de Cannes em outros festivais como CIFF e NYFF, mas tive a sorte de ver um trio interessante de três continentes distintos, incluindo o mais recente de um dos meus cineastas favoritos trabalhando hoje e um filme que é um dos os filmes essenciais de 2023.
Esse filme é o arrasador de Jonathan Glazer “A Zona de Interesse,” um drama que se passa durante a Segunda Guerra Mundial, mas parece incrivelmente urgente no que diz sobre existir ao lado do mal e como, se permitirmos que a vida cotidiana abafe aqueles que estão sofrendo, seremos obrigados a repetir os horrores da história. É um drama desafiador que penetra em sua alma. Na minha breve passagem por Toronto, já vi muitos filmes desde “A Zona de Interesse” e, ainda assim, isso me assombra. Eu penso nisso constantemente. É um filme difícil de abalar.
Glazer (“Under the Skin”) abre seu filme com um plano geral de uma tela preta com uma paisagem sonora cada vez mais alta que funciona como uma abertura. Soa mecânico, incorporando elementos de uma trilha sonora de Mica Levi e os ruídos que dominarão o filme a seguir. Parece uma forma de levar os espectadores do mundo comum para este filme. Desligue o telefone. Prestar atenção. Ouvir. O que você ouve neste filme será tão importante quanto o que você vê.
Vagamente baseado no romance homônimo de Martin Amis, “The Zone of Interest” se passa quase inteiramente na propriedade de Rudolf Hoss (Christian Friedel) e sua esposa Hedwig (Sandra Hüller, tendo um ano incrível com isso e “Anatomy de uma queda”). Hoss é o comandante de Auschwitz, que existe do outro lado do muro que separa sua propriedade do campo de concentração. Rudolf e Hedwig cumprem a rotina de criar uma família enquanto milhares de judeus são assassinados do outro lado do muro. E tudo acontece com uma paisagem sonora do Inferno. Enquanto as crianças brincam e Hedwig jardina, os sons de trens, tiros, gritos e fornalhas tocam incessantemente ao fundo.
O que significa não apenas existir ao lado do genocídio, mas também lucrar com ele? Vimos tantos filmes que retratam nazistas e pessoas historicamente más como caricaturas. Glazer tem o cuidado de não humanizar ou defender essas pessoas, mas capta a banalidade da vida cotidiana. É claro que os nazistas voltaram dos campos para casa e criaram famílias fora do horror de tudo isso. Filmado com uma composição pictórica nunca exagerada pelo grande diretor de fotografia Łukasz Żal (“Guerra Fria”), “A Zona de Interesse” é fascinante apesar da falta de melodrama ou narrativa tradicional. Glazer desafia a nossa percepção de um dos capítulos mais horríveis da história mundial, revelando a mundanidade de tudo isso para aqueles que cometeram atrocidades.
Os leitores fiéis saberão o quanto eu amo Hirokazu Kore-eda, mesmo ficando de fora do refrão que considerou seu drama de 2022, “Broker”, uma queda em sua qualidade habitual. Depois de dois filmes em outros países (o outro sendo “The Truth”, ambientado na França), Kore-eda retornou ao Japão com “Monstro”, um de seus filmes mais comoventes e construídos de maneira incomum. Este mostra Kore-eda trabalhando com o roteiro de outra pessoa (este é de Yuji Sakamoto) e brincando com a forma de uma forma que o cineasta tradicional normalmente não faz. É um drama inspirado em “Rashomon” que conta a mesma história de três perspectivas, revelando o quão pouco sabemos sobre nossos filhos e culminando em alguns dos filmes mais emocionalmente poderosos de Kore-eda.
Minato (Soya Kurokawa) é uma criança tranquila, mas relativamente livre de problemas, que mora com sua mãe solteira, Saori (a excelente Sakura Ando). Saori começa a ver mudanças no aluno do ensino médio que se tornam cada vez mais preocupantes, incluindo proclamações de que ele é um monstro e atos de automutilação. Deve estar acontecendo alguma coisa na escola, certo? Quando Minato revela que um professor chamado Hori (Eita Nagayama) abusou dele, Saori encontra uma parede de comportamento defensivo incomum na instalação educacional, incluindo uma diretora (Tanaka Yuko) que parece estar escondendo algo de sua autoria. Hori revela que Minato não é a vítima; ele está intimidando outro aluno.
Ou ele tem? A narrativa então muda para contar aproximadamente o mesmo capítulo da perspectiva de Hori e, finalmente, da perspectiva de Minato. Cada um deles revela novos motivos por trás do comportamento incomum de Minato e Hori, que lembram que não devemos presumir nada nem mesmo sobre nossos entes queridos, especialmente quando eles estão nos estágios emocionalmente tensos da infância.
Kore-eda faz uso esparso de uma trilha sonora deslumbrante do falecido Ryuichi Sakamoto – esta é sua última composição – e gentilmente empurra “Monster” ao longo de um caminho que nunca é explorador (ao contrário do superestimado “Close”, outro estudo sobre conexões e traumas infantis que me senti forçado). “Monstro” é mais uma obra marcante de um mestre, um filme tão cuidadosamente calibrado que você se perde nesses personagens, esquecendo que são atores e não pessoas apanhadas em um capítulo genuinamente traumático da vida. Quando “Monster” chega a um final que eu chamaria de comovente (mas alguns consideram ambíguo), ele ascendeu, se não ao nível mais alto absoluto do trabalho de Kore-eda, logo abaixo dele.
Finalmente, há a divisão“Os Delinquentes” do diretor argentino da New Wave, Rodrigo Moreno. Seu filme é possivelmente o primeiro filme de assalto lento, uma comédia divertida de três horas sobre dois caras normais que roubam dinheiro, mas acabam permanecendo bastante regulamentados. É um filme desafiador, com um ritmo inegavelmente auto-indulgente. São cerca de 45 minutos de história em uma caixa de 180 minutos, mas isso faz parte da questão. Moreno ainda insere um personagem na forma de um diretor de cinema que discute decisões inesperadas na produção cinematográfica caso você perca. Ele quer ir contra o que as pessoas esperam de um filme que começa com um assalto a banco, mesmo que seja o assalto a banco mais mundano da história do cinema. Achei partes de “Os Delinquentes” deliciosamente histéricas e admirei todo o experimento, mas estaria mentindo se não dissesse que fiquei entediado durante grande parte dele. Acho que até o Moreno entenderia isso.
Roman (Esteban Bigliardi) é um bancário comum em Buenos Aires que um dia simplesmente sai com US$ 650 mil (EUA). Ele vai até seu colega de trabalho Moran (Daniel Elias) com um acordo: esconder esse dinheiro por 3,5 anos, e podemos dividi-lo quando eu sair da prisão. Ele se entregará, cumprirá o breve tempo obrigatório e sairá. E ele nem está aceitando tanto, apenas o que ganharia pelo resto da vida no banco. Ele acredita que é melhor passar 3,5 anos atrás das grades do que 25 em um trabalho que você odeia. Na verdade, não é uma teoria ruim.
Moran leva o dinheiro para o campo na metade de “Os Delinquentes”, e o filme muda de tom, refletindo a natureza descontraída e sinuosa de seu novo cenário. Por aqui é onde vai perder muita gente, mas há opções charmosas por toda parte. O que significa que os nomes dos protagonistas (e até de três pessoas que eles conhecem) são anagramas? O que significa que o mesmo ator interpreta o chefe do banco e o cara que espanca Roman atrás das grades? Por que Moreno demora tanto com sua linguagem cinematográfica? A certa altura, dois personagens conversam em um carro sobre ir para um hotel, são vistos entrando no hotel e passando pela porta do quarto do hotel. Pelo menos uma, provavelmente duas dessas cenas poderiam estar na sala de edição, mas Moreno solidificou tanto seu ritmo auto-indulgente a essa altura que eu ri alto. Ele quer que você sinta o peso da vida desses dois homens ao perceberem que o dinheiro não muda tudo. Isso pode nos tornar ainda mais comuns.
Fonte: www.rogerebert.com
